세계 최초의 AI 미술관인 '데이터랜드(Dataland)'가 LA에 오픈하여, 기존의 단순한 프롬프트 기반 생성 AI를 넘어선 새로운 예술적 가능성을 제시합니다. 아티스트 레핀 아나돌은 스미소니언 등의 데이터를 기반으로 자체 거대 자연 모델(Large Nature Model)을 학습시키고, 관람객의 생체 데이터를 반영한 몰입형 설치 작품을 선보였습니다. 이는 기존 빅테크 기업들이 직면한 저작권 및 윤리적 논란에서 벗어나, 윤리적이고 지속 가능한 방식의 AI 예술 패러다임을 제시한다는 점에서 중요합니다.
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“저는 우리가 말 그대로 르네상스 시대에 살고 있다고 생각합니다. 다만 아직 그 시대를 부를 이름이 없을 뿐이죠.” AI가 매체로서 급부상하고 논란이 되는 현대 미술사의 현 시점을 어떻게 보느냐는 질문에, 아티스트 레핀 아나돌(Refik Anadol)은 평소처럼 낙관적인 어조로 답했습니다.
인간과 기계의 관계를 탐구하는 기술 설치 작품으로 유명한 아나돌이 기뻐할 만한 이유가 있습니다. 지난 6월 20일, 그가 스튜디오 파트너인 에프숀 에르킬리치(Efsun Erkılıç)와 함께 공동 설립한 최첨단 갤러리 '데이터랜드(Dataland)'가 LA 도심에서 기대에 찬 대중들의 문을 열었습니다. 세계 최초의 'AI 미술관'을 표방하는 이곳은 개막 전시 첫 2주 만에 1만 명 이상의 방문객을 맞이했다고 아나돌은 WIRED에 전했습니다.
이번 전시의 핵심 작품은 '머신 드림스: 레인포레스트(Machine Dreams: Rainforest)'라는 제목의, 지금까지 그의 작품 중 가장 야심 찬 몰입형 건축 비전입니다. 스미소니언(Smithsonian)과 같은 저명한 연구 기관의 자연과학 아카이브를 활용해 구축된 AI 시스템인 아나돌의 '거대 자연 모델(Large Nature Model)'에서 끌어온 이미지와 사운드스케이프는, 관람객의 움직임과 생체 데이터(웨어러블 기기로 추적됨)에 직접적으로 반응하여 끊임없이 변화하는 시각과 청각 경험을 선사합니다.
아나돌은 “3년 동안 우리는 밑바닥부터 시작해 자체 AI 모델을 학습시켰고, 우리만의 데이터셋(data set)으로 작업했습니다”라고 말했습니다. 그와 그의 팀은 이 모델이 특정 환경을 AI 특유의 방식으로 환각(hallucinated)하여 재창조하는 데 사용할 원자재를 수집하기 위해 아마존 및 다른 열대우림으로 향했습니다. “우리가 직접 수집한 원시 데이터만 5페타바이트에 달합니다.”
실리콘밸리의 주요 AI 기업들이 학습 데이터로 타인의 콘텐츠를 무단으로 추출하여 사용했다는 비판과 소송에 직면한 반면, 데이터랜드는 연구자들의 동의와 참여하에 이 막대한 데이터를 확보했다는 점을 강조하며 자부심을 드러냈습니다. 또한 아나돌은 구글 딥마인드(Google DeepMind)가 '실험적 저전력' 자원에 대한 접근 권한을 제공해 구글 클라우드를 기반으로 갤러리를 운영하고 '지속 가능한 컴퓨팅'을 유지할 수 있었다고 덧붙였습니다. (아나돌은 2016년 구글 아티스트 앤 머신 인텔리전스 아티스트 레지던시의 첫 수상자가 된 이래 이 기술 거인과 협력해 왔습니다.)
윤리, 환경적 책임, 그리고 AI를 통해 살아 숨 쉬는 생태계처럼 느껴지는 것을 만들어내려는 전적인 노력. 만약 아나돌과 데이터랜드가 'AI 예술'을 재정의하고자 한다면 이러한 헌신은 필수적입니다. 모든 계층의 시각 매체를 뒤덮은 졸질의 '생성형 쓰레기(generative slop)'를 비판하는 수많은 크리에이티브와 평론가들에게 'AI 예술'이라는 단어 자체가 거부감을 주는 출발점이기 때문입니다.
아나돌은 사람들이 그런 부류의 결과물들을 배척한다는 것을 완벽하게 알고 있으며, 그들의 판단이 전적으로 옳다고 생각합니다. “대다수의 사람들이 옳습니다. 누군가 AI 예술에 대해 들을 때 그들의 첫 번째 생각은 단순한 프롬프트 엔지니어링이나 8초짜리 짧은 영상 클립 모음일 것입니다.” 그의 새로운 갤러리는 그 모든 것을 넘어선 거대한 가능성이 존재한다는 것을 증명하는 데 목적이 있습니다. “데이터랜드가 존재하는 이유는 세상을 이해시키고 설명하며 탐색하기 위해서입니다. 그리고 세상에 단 한 가지 옵션만 있는 것이 아니라는 것을 말해주기 위해서입니다.”
'머신 드림스: 레인포레스트'는 예술적 감각을 자극하는 놀라운 방식을 여는 도구로서의 AI의 가능성을 인상적으로 보여줍니다. (아나돌은 이것이 그의 프로젝트 중 최초로 '어떤 느낌인지 녹화하는 것이 불가능한' 프로젝트라고 주장하지만, 이는 결코 과장이 아닙니다.)
면책 동의서와 전용 앱을 다운로드하는 등 다소 까다로운 입장 절차를 거친 후, 저는 스마트워치와 어깨에 걸치는 U자형 플라스틱 칼라를 받았습니다. 이 기기들이 조정되는 동안, 어깨 하네스는 이번 전시에서 선보이는 다양하고 놀라운 향기 중 첫 번째를 내뿜었습니다. 이 초현대적인 건물의 심장부에 서 있는데 갑자기 나무 냄새가 맡겨졌습니다. 가장 큰 갤러리 공간은 몇 개의 기둥을 제외하고는 텅 비어 있었고, 벽과 바닥을 따라 자연의 풍경과 컴퓨터 칩의 텍스처가 혼합된 초선명한 영상들이 유영하고 있었습니다. 40분 주기로 다채로운 효과가 순환했는데, 이내 이 효과들이 공간 안에 있는 모든 사람의 움직임에 부분적으로 의존하고 있다는 것을 깨달았습니다. 저는 시뮬레이션되는 시퀀스가 한창 진행 중일 때 그곳으로 들어섰습니다.
Comment Loader Save Story Save this story Comment Loader Save Story Save this story “I think we are literally in a renaissance,” says the artist Refik Anadol, in a characteristically optimistic comment, when asked how he sees this moment in art history, with artificial intelligence ascendant yet controversial as a medium. “We just don’t have a name for it yet.” Anadol, known for technological installations that probe the relationship between humans and machines, has reason to be happy. On June 20, Dataland, the cutting-edge downtown Los Angeles gallery he cofounded with studio partner Efsun Erkılıç, opened its doors to an eager public. Billed as the first “museum of AI arts” in the world, it welcomed more than 10,000 visitors to the opening exhibit in the first two weeks, Anadol tells WIRED. The set piece is his most ambitious to date, an immersive architectural vision titled Machine Dreams: Rainforest . Its interactive digital displays, directly responding to the visitors’ movements and biometric data (tracked by wearable devices), produce ever-shifting images and soundscapes drawn from Anadol’s Large Nature Model, an AI system built using natural science archives from prestigious research institutions like the Smithsonian. “For three years, we started from scratch and trained our own AI models, and we worked with our own data sets,” Anadol says. He and his team traveled to the Amazon and other rainforests to capture raw material that would fuel the model’s hallucinated versions of those environments. “We have 5 petabytes worth of raw data that we collected by ourselves,” Anadol says. He’s proud that Dataland made a point of sourcing this trove with the consent and participation of researchers, whereas Silicon Valley’s major AI firms have faced backlash and lawsuits over what many creators say is unlicensed, extractive use of their content as training data. Anadol adds that Google DeepMind gave Dataland access to “experimental low-energy” resources, allowing the gallery to run on Google Cloud and maintain “sustainable compute.” (Anadol has collaborated with the tech giant since becoming the first person awarded the Google Artists and Machine Intelligence Artist Residency in 2016.) Ethics, environmental responsibility, and a wholehearted effort to produce what feels like a living, breathing ecosystem with artificial intelligence: These commitments are crucial if Anadol and Dataland want to redefine “AI art.” The very phrase is a nonstarter for many creatives and critics of the generative “slop” that has infested visual media at every level. Anadol is perfectly aware of people rejecting that stuff, and he hardly blames them. “I mean, 100 percent, the majority is right,” he says, noting that when someone hears about AI art, “their first assumption is like, prompt engineering, or a bunch of eight-second clips.” His new gallery aims to prove that there are grand possibilities beyond all that. “The reason for Dataland is to understand and explain and explore—and tell the world that there is not only one option,” he says. Machine Dreams: Rainforest makes an impressive case for AI as a tool to unlock surprising modes of artistic engagement. (Anadol claims that it is his first project where “it is impossible to record what it feels like,” and it’s no exaggeration.) After going through a somewhat finicky entrance procedure involving a waiver and a specialized app, I receive a smartwatch and a U-shaped plastic collar to be worn over my shoulders. As these are calibrated, the shoulder harness emits the first of the exhibit’s many striking scents: here in the heart of this hypermodern building, I can suddenly smell trees. The largest gallery is empty but for a couple of pillars, with ultravivid fusions of nature scenes and computer-chip textures swimming across the walls and floor; there’s a 40-minute cycle of varied effects that I quickly realize are partly dependent on the movements of everyone in the room. I enter during a sequence simulating heavy rain and thunder and see that each visitor has a watery circle around their feet that travels with them, becoming an aqueous streak when they walk faster. The paths of droplets in the downpour shift if you wave a hand in front of them. There’s even the clean smell of a summer storm emanating from my biosensor. Anadol says that while you have the option to move through his artwork as a “ghost”—that is, without the biosensors—the wearables, which are modified medical grade devices, offer a way to put your fingerprint on it, at least temporarily. “For almost 5,000 years, we as humanity, we look at artworks and we feel something,” he says. “At Dataland, as a laboratory of imagination, our first deep question is: Can artwork feel us back?” Anadol laughs when I wonder aloud whether the gadgets tracked my trip to the restroom. “No, no, no, no, the restroom has zero connection,” he says. Moreover, he says, the museum “forgets” your data the moment you leave, though it remains available to the visitor by way of a personal token received at the exit. “Data is a form of memory,” Anadol says, and the gallery seeks to treat it with respect. “So it’s the opposite,” he notes “of what we have in the whole world,” where invasive surveillance has become the norm. Farther on lies the Infinity Room, which invites me to follow a glittery hummingbird as it soars over a fantastical neon forest—the flight puts one in mind of the aerial acrobatics in the Avatar movies, and at times I find myself a little off-balance when the POV careens one way or the other. I’m more intrigued by an adjacent wing, the Latent Gallery, where I can take a peek behind the curtain of the Large Nature Model. At one console, for example, I can scroll through the training data by category. I click “Frogs,” and the wall in front of me turns into a massive grid of frog photos included in the model. Anadol says he wanted people to have a glimpse of the profound wealth of information underlying the often surreal and impossible permutations of actual nature generated by the installation. (The Smithsonian’s Encyclopedia of Life alone supplied data on more than 2 million species.) “These are the places where we demystify our algorithms, demystify our data sets, demystify our training experiments,” he says. Anadol says he wanted to see “what happens if we go next-level and tell the audience and the visitors exactly the reason for that machine dream or hallucination.” And hallucination is certainly the point, which also serves to differentiate Dataland’s debut show from the ultra-realistic AI-generated images and deepfakes that contribute to our culture of misinformation. “It's about the idea of a machine that falls in love with nature—that's the rainforest—and we enter the machine dreams as a concept where we smell the machine's hallucinations, we taste the machine dreams, we hear millions of bird songs that are impossible to hear in a human world,” Anadol says. The model may incorporate scientific libraries and real-time weather data, but the place it constructs with these building blocks is, in most respects, totally alien. Finally, you have the Sanctuary, based on a concept Anadol has been working toward for several years. As a group enters the room, the biometric information from each individual—everything from heart rate and skin temperature to the path they have taken through Dataland and the speed of their tour—is compiled to generate a swirling, abstract, 3D representation of the room’s collective energy, never to be seen again. Anadol says that here and elsewhere, the gallery takes “emotion as an input.” He’s been especially pleased to observe how frequently the biosensors pick up on visitors’ goosebumps, which he calls an “incredibly relevant” sign that the sensory biomes of the exhibit are having a pronounced effect on those who pass through them. “The artwork can feel this information,” he says. “I saw people with tears, I saw people with joy,